Música del Barroco

La Música del Barroco es un estilo europeo que tuvo su auge en la época del mismo nombre que abarca desde el nacimiento de la ópera en 1600 hasta la muerte de Johann Sebastian Bach en 1750. Antecedido a la música del Renacimiento y seguido por la Música del Clasicismo. Surgió en el periodo comprendido entre la Reforma luterana y la Contrareforma católica, se utilizó como propaganda de las iglesias y por la alta nobleza ya que eran los único que tenian la capacidad económica para mantener a músicos profesionales.El nombre de la época se tomó de la arquitectura que se caracterizaba por las construcciones elaboradas, siendo el término original barrueco término luso que describe a un joya falsa, durante el siglo XVIII se uso de forma peyorativa que se consideraba tosco y anticuado.

Las principales características son: la polarización hacia voces extremadamente agudas o graves la cual destaca por encima de las demás voces, a esta textura se le conoce como bipolar de monodía acompañada; la presencia del bajo continuo (interpretado por violonchelo, viola da gamba, fagot, etc) en conjunto con armonías de tonos de voces superiores; el desarrollo de la armonía tonal en el que el movimiento melódico de las voces queda supeditado a la progresión de acordes funcionales; el ritmo del bajo establece un compás binario o ternario uniforme y mecánico; el desarrollo de un lenguaje instrumental diferente del vocal, adaptando la escritura musical a cada instrumento (escritura idiomática) y en la orquesta predomina instrumentos de cuerda; la aparición de nuevas formas instrumentales como la ópera, el oratorio, la cantata, el concierto, la sonata y la suite; el gusto por los contrastes sonoros; amplio espacio para la improvisación en obras libres y en las ya escritas.

En esta época se rompió la unidad del estilo musical de la Europa renacentista y convivieron estilos diversos. Una primera diferencia se daba entre el stylus gravis, que consistía en la polifonía renacentista y el stylus luxurians que es plenamente del barroco y se generalizó en la música teatral y de cámara. Durante este periodo dominaron dos estilos el francés (estilo conservador basado en formas de danza que fue popular en Versalles en la corte de Luis XIV) y el italiano (innovación estilistica que nació en ciudades italianas y fueron imitadas en otros países como Francia)

Este periodo se divide en tres:

• Barroco Temprano (1580-1630): En ese contexto artístico aparece la figura del cremonés Claudio Monteverdi. Maestro del stile antico (aplicado al polifónico género madrigal) y del stile moderno (la monodia acompañada), daría forma a esa recién creada ópera. En paralelo a ella se desarrolló el oratorio, religioso, gracias a la influencia de Felipe Neri.
• Barroco Medio (1630-1680): Autores como Cesti, Francesco Cavalli y Luigi Rossi suavizaban la dureza del estilo monódico original para desarrollar la ópera belcantista, en la que se separaban ya claramente recitativos y arias. La nueva ópera pasó de ser un espectáculo aristocrático a entretenimiento de las capas altas de la clase media, gracias a la libre compra de entradas en los teatros napolitanos y venecianos.
• Barroco tardío (1680-1730): La adopción de las fórmulas tonales, a partir de la escuela boloñesa y más tarde Corelli con cadencias frecuentes y muy claras como marco formal, progresiones con movimiento de quintas, cadenas de retardos, acordes paralelos de sexta. La extensión del estilo de concierto, aplicado a la ópera y a la música instrumental: uso de ritornelos, contrastes entre tutti y solo, bajos de gran empuje rítmico, pasajes en unísono, homofonía gobernada por el bajo continuo.
• Transición al Clasicismo (1730-1750): se encuentra el estilo galante francés desde 1730, el desarrollo en Italia de la ópera buffa, la sonata y la sinfonía, y el estilo sentimental alemán; ellos conforman una suerte de preclasicismo.

MÚSICA VOCAL

• La ópera: Se buscaba una actualización del antiguo teatro griego, basándose sin embargo en formas musicales recientes, como el drama litúrgico, el drama pastoral,  las comedias madrigalescas con figuras de la commedia dell'arte y los intermezzi teatrales.  Los sucesivos experimentos en los que la música vocal se combinaba con danzas y escenas teatrales habladas forjaron finalmente un espectáculo musicalmente continuado, en que estas escenas habladas eran sustituidas por recitativos: había nacido la ópera. 
• El oratorio: Parecido a la ópera (aunque con más énfasis en los coros), solía tener una temática religiosa y no era escenificado (esto es, era ejecutado al modo de las actuales "versiones de concierto"). A diferencia de la ópera, casi siempre en italiano, los oratorios solían escribirse en lengua vernácula. Un caso particular de oratorio, representado en las iglesias protestantes de la época, era la Pasión, obra de larga duración que relataba, en recitativo, el texto evangélico de la Pasión de Jesucristo, con arias y corales insertados.
• La cantata: La asunción de la monodia, el recitativo y el estilo concertante por la música de iglesia dio lugar a una nueva forma musical, la cantata, obra de uso litúrgico que intercalaba sinfonías instrumentales, recitativos, arias y coros. La composición y ejecución de nuevas cantatas religiosas en lengua vernácula era parte de las obligaciones cotidianas de los músicos de los países luteranos, caso de Bach en Leipzig: allí compuso más de doscientas. Se escribieron también cantatas profanas, especie de minióperas de cámara habitualmente formadas por la secuencia Recitativo-Aria-Recitativo-Aria.
• El motete: El motete es una forma musical ya marginal en el Barroco. La denominación se reserva para ciertas composiciones religiosas corales escritas a varias voces iguales, frecuentemente en un estilo obsoleto.

LA MÚSICA INSTRUMENTAL

• La sonata: Composición para uno o dos instrumentos (sonata a solo o sonata en trío, respectivamente) más el habitual bajo continuo. La combinación más habitual incluía violín, flauta travesera u oboe para la o las voces superiores, más violoncello y un instrumento de acordes (órgano, clave, arpa, laúd...) para el continuo: su textura muestra la polarización de voces típica del Barroco. La sonatas destinadas a la iglesia solían consistir en movimientos de forma libre, que incluían algún fugado entre los rápidos. Las destinadas a las salas civiles incluían movimientos de danza bipartitos, al modo de la suite.
• El concerto grosso: Fue sólo a finales del XVII cuando se consolidó el concepto de orquesta, como conjunto en el que varios instrumentos de cuerda interpretan al unísonouna misma línea melódica, de suerte que una música escrita a tres o cuatro voces (esto es, en partitura de tres o cuatro pentagramas) podía ser interpretada por un conjunto de hasta quince o veinte músicos. Nació así la posibilidad de alternar pasajes para la masa orquestal completa (tutti o concerto grosso) con otros para los solistas del conjunto (concertino, habitualmente formado por dos violines y un violoncello).
• La suite: Sucesión de movimientos o piezas de danza que se interpretan seguidas, la secuencia incluía: allemande, Courante, Zarabanda, Giga. A las que se podía añadir una obertura inicial.